againstthecure
Sweet and Low
- Стать
- чол
- Повідомлення
- 1 258
- Реєстрація
- 29.04.08
- Репутація
- 4 252
Статьи на гитарную тематику
Кинул сюда статьи, которые были в теме "Вопрос-ответ". Надеюсь модераторы не будут против?
Предлагаю в этой теме делится интересными материалами, которые вы нарыли в процессе блуждание по просторам интернета.
Кинул сюда статьи, которые были в теме "Вопрос-ответ". Надеюсь модераторы не будут против?
Предлагаю в этой теме делится интересными материалами, которые вы нарыли в процессе блуждание по просторам интернета.
В поисках своего звукоизвлечения
Что это за тема, черт возьми? Не беру ли я на себя слишком много, пытаясь дать определение такой штуке как ЗВУКОИЗВЛЕЧЕНИЕ? Наверное, легче было бы написать, к примеру, о японской пентатонике или игре тэппингом при помощи носа, но в конце концов, я написал кучу статей о технике игры, гаммах и импровизации, почему бы теперь для разнообразия мне не написать о том, КАК играть все это.
Начнем с того, что многое люди путают понятия ЗВУКА и ЗВУКОИЗВЛЕЧЕНИЯ. Давайте сначала разберемся с этим, ок?
Звук – это то, что издает ваше оборудование. Ваша гитара, дерево, из которого она сделана, усилитель, эффекты и все остальная ерунда (шнуры, эквалайзеры и т.д.). Нужно всего лишь некоторое количество денег, немного слуха, иногда немного советов и времени, чтобы собрать нужный комплект оборудования.
Звукоизвлечение – Это то, как вы играете. Мистическое "то, что ваших руках". Это то, почему шесть разных гитаристов могут сыграть одну и ту же мелодию через одно и то же оборудование и звучать по-разному. Это достигается годами практики, слушанья, экспериментов и т.д. чтобы выработать СВОЕ звукоизвлечение. Теперь, когда мы закончили с определениями, давайте забудем о ЗВУКЕ на время, хорошо? Я мог бы написать что-нибудь о подборе и настройке оборудования, но в другой раз. Сегодня мы поговорим о ЗВУКОИЗВЛЕЧЕНИИ.
Стандартная ошибка, которую делают многое люди: они слушают записи своих любимых исполнителей, им нравится то, что они слышат, они пытаются это сыграть…и получают совсем не тот результат. После этого они утешают себя тем, что у того гитариста лучше оборудование, или есть какие-то секретные приборы, спрятанные в рэковой стойке, благодаря которым он так звучит. Ну и конечно они добавляли какие-то хитрые обработки в студии, поэтому оно звучит настолько лучше, чем у меня даже в этой простой мелодии.
Или они пытаются приобрести такое же точно оборудование как у их образца, думая что это приблизит их к звучанию этого гитариста. И именно поэтому эндорсмент и бизнес подписных гитар так успешен. Я имею в виду то, что большая часть этих гитар и оборудования просто великолепны, но в основном люди уверены, что, покупая их, они наверняка станут звучать лучше. Но это тупик. Потому что вместо того, чтобы пытаться собрать ту же конфигурации оборудования, как у их кумира, и высматривания на фотографиях моделей усилителей, вам нужно сфокусироваться на том, КАК они играют, а не через что.
Да, я знаю, это может сильно вас расстроить. Когда я серьезно занялся игрой на электрогитаре, я хотел играть и звучать как Джо Сатриани…и по каким-то причинам, (наверное, меня убедила в этом реклама компаний, чьим эндорсером он являлся) я поверил в то, что мне нужен подписной Ibanez Джо Сатриани и его усилитель, и все проблемы будут решены. И подсознательно я верил не только в то, что я буду звучать как он, но и в то, что я смогу ИГРАТЬ как он. Действительно, играть в стиле Сатриани, используя много быстрых легато и т.д., легче на подписной гитаре Сатриани с тонкими струнами, чем на Телекастере с набором струн 12-56 через старый Фендер Бассмэн. Тогда я (к счастью) не мог позволить себе купить подписную модель Сатриани, да и у меня была довольно пристойная гитара, поэтому я решил – а не попытаться ли мне добиться этого звучания на этой гитаре?
Шли годы, я работал над своей техникой. Выучил кучу быстрых легато, прочитал горы интервью и уроков Сатриани, много раз переслушал все его альбомы. И постепенно я начал понимать две вещи:
* Так как моя техника улучшилась, я теперь мог играть много его мелодий.
* К сожалению, я все еще звучал не так, как он.
И дело было не в гитаре и оборудовании. К тому времени я уже слышал несколько раз этот загадочный термин «звукоизвлечение», и начал понимать, что именно с этим я сейчас имею дело.
Открытия
Беседы с Abi von Reininghaus (который много времени и усилий посвятил проблеме интонирования и фразировки) и чтение его статей здорово мне помогли. Они заставили меня сфокусироваться на аспектах персонального звучания гитариста: Как он дергает струну? Как атакует ее? Как прижимает ноту? Это все очень незаметные и скрытые вещи, невозможно объяснить, как Стив Вай (например) получает такое звучание, когда играет простую мелодию. С другой стороны – это неотъемлемая составляющая звучания гитариста.
Когда я джемую с Thorsten Koehne, мы частенько "цитируем" наших любимых гитаристов. И когда я прошу его сыграть например "Frenzy" группы Racer X, он звучит невероятно похоже на Пола Гилберта, играя на дешевом Данэлектро через какой-то виртуальный усилитель.
Почему? Потому что ему насрать на то, какую гитару, медиаторы, шнуры, усилители и т.д. использует Пол – он обращает внимание только на его звукоизвлечение. По крайней мере, подсознательно. И когда он разучивал эти фразы – он пытался заставить их звучать "по-Гилбертовски", имитировал то, как он играет.
Thorsten может "войти в образ". У него есть свой стиль игры, свое звучание, но так как Пол Гилберт сильно повлиял на него – он может войти в "режим Пола" и имитировать его звучание, которое опять таки является частью его собственного стиля.
То же самое произошло со мной. Много лет назад я заметил, что у меня появился свой звук. Я пытался звучать как тот или иной парень - и вдруг: мой друг слушал некоторые записей джема, где я участвовал. И когда началось мое соло, мой друг (не гитарист и даже не музыкант) сказал после двух первых нот – "Эй, это же ты!".
Причем я не играл свои фирменные фразы и играл не через свое обычное оборудование. Я играл на чужой гитаре, через чужой комбик, и играл я соло из "Little Wing".
И знает что? Это было очень круто, когда мой друг это сказал. Я подумал – и понял, что он был прав, что мое звучание было узнаваемым. Я все еще слышал в нем повлиявших на меня гитаристов (Ван Хален, Сатриани, Джефф Бек, Морс, Гилберт, Вай) – но это было именно мое звучание. То же относится к самому соло – некоторые элементы явно напоминали вышеуказанных парней – но в целом это было именно МОЕ соло.
Вот в чем суть: нет ничего плохого в том, чтобы пытаться сыграть это соло как Петруччи. Но почему бы не сделать это на своем оборудование и со своим звучанием? Очень трудно скопировать чье-либо звукоизвлечение – да и ненастоящая это цель. Я понял это, когда расслабился и стал играть то или это соло со своим звучанием. Я все еще могу войти в режим "Сатча" или "Бека" – но только если захочу (хотя кончено я не могу имитировать их на 100%). Прийти к этому очень сложно, но ощущение того, что у тебя есть свое звучание, что оно всегда с тобой и не зависит от того, через что ты сейчас играешь – это очень приятно. Я очень счастлив, когда мои друзья говорят "Эй, да это ведь ты!" - услышав мое соло.
Что делать?
Ну, и где же практическая часть этой статьи? В общем, я немного почитал вам нотаций – теперь давайте искать решение.
Когда вы играете, когда вы тренируетесь, спросите себя: это звучит ХОРОШО? Забудьте о нотах или о скорости – обратите внимание не то, звучат ли ноты хорошо?
Попробуйте сыграть простую и симпатичную мелодию – например "Amazing Grace". Сделайте понотную транскрипцию – и сыграйте ее. Запомните мелодию, чтобы не смотреть на транскрипцию. Теперь включите гитару, настройте свой любимый звук – и сыграйте ее еще раз.
НАСКОЛЬКО...ХОРОШО...ОНО....ЗВУЧИТ?!?
Сыграйте еще раз, добавьте немного вибрато, немного бэндов. Извлекайте одни ноты жестче – а другие мягче. Играйте медленно, закройте глаза и представьте себя на сцене, играющим эту мелодию как часть своего соло, стараясь вызвать эмоции у слушателей. Выжмите все из этой мелодии, вложите в нее немного себя.
Я знаю, все это звучит немного странно, но это намного важнее упражнений на технику, если вы действительно хотите звучать хорошо.
Тяжело быть самокритичным – но оцениваете себя, когда играете. Не нужно нарезать как Пол Гилберт – сыграйте медленно и вдумчиво.
Наверняка вы замечали, что, даже играя простые мелодии или фразы своих любимых исполнителей, вы часто звучите отвратно.
В статье "Marcian Love Secrets" Стиви Вай писал о "медиатационном состоянии ума". Он говорил что-то вроде "Возьмите одну ноту и играйте ее в течение часа. Не отвлекайтесь от нее, играйте вибрато любыми способами. Возможно, у вас не будет хватать терпения – но через некоторое время вы откроете для себя абсолютно новые вещи". (Цитируется по памяти)
И знаете что? Я делал именно это. Я не фокусировался только на вибрато, я обращал внимание на то, как я извлекаю ноту. Я открыл, что можно извлекать кучу разных звуков, просто перемещая руку с медиатором ближе к голове грифа (более мягкий звук) или к бриджу (более жесткий звук).
Я заметил, что звук меняется, когда вы меняете угол наклона медиатора и то, насколько "глубоко" вы его опускаете к деке (как Эрик Джонсон). Это все трудно описать словами, но вы можете получать кучу разных звуков (не СОВСЕМ разных конечно – но эти крошечные нюансы звучания когда-нибудь возьмут вас за глотку), я также экспериментировал с положением левой руки…нажимал сильнее или слабее…двигал пальцы между ладами, использовал разные типы вибрато…здесь я не говорю о фразировке – только о звучании.
…и зачем это делать?
Я знаю, что это звучит не так увлекательно, как новый урок Гилберта "Terror Death Lick", но я думаю это очень серьезный вопрос – если вы хотите хорошо звучать, вам нужно обратить внимание и на эту сторону игры. Даже когда я упражняюсь – я стараюсь звучать хорошо. Это странно? Ни капельки. Даже играя секвенции, я стараюсь следить не только за чистотой и скоростью: я слежу за качеством звука, экспериментирую с атакой и т.д.
Некоторые люди смеются над тем, сколько времени и усилий Эрик Джонсон тратит на поиск такой неопределенной вещи, как "sweet spot", или когда он использует дико неэкономную аппликатуру для какой-либо мелодии, просто потому, что он уверен: 3-я нота этой мелодии звучит лучше на 3-й струне, чем на 2-й.
Но никто не станет отрицать удивительного звучания Эрика. И это не только благодаря его убийственным винтадж-гитарам и усилителям. Это потому что он пошел дальше, чем счет нот в секунду и трюков со звукоизвлечением. Он работал над своей техникой – и старался, чтобы все звучало хорошо.
Фактор звучания небезграничен – если вы играете очень быстрый пассаж, вам придется идти на компромисс. Вы все еще можете что-то подчеркнуть (послушайте сначала Гилберта, а потом Макалпина – если вы будете внимательны, вы услышите разницу) – но это намного сложнее и возможностей для нюансов намного меньше.
Но ведь ваша игра состоит не только из скоростных пассажей, а и из мелодических вещей – и вот они требуют хороших мелодических идей, фразировки и хорошего ЗВУКОИЗВЛЕЧЕНИЯ.
Последнее, о чем я хотел бы поговорить – это СЛУШАНИЕ. Это важная составляющая работы над звучанием, осознанием его потенциала.
Слушайте гитаристов. Не надо таращиться на плакаты или смотреть видео, чтобы увидеть, где же он взял эту ноту – слушайте, постигайте "текстуру" его игры, составляющие его звучания.
Послушайте, например Джеффа Бека – эти кусачие звуки в комбинации с мягкими, хрупкими нотами + множество разнообразных типов вибрато…это и есть его звучание. Если слушать достаточно долго, можно захотеть повторить это – или даже не захотеть, оно случится само.
Если долго слушать речь одного человека, можно набраться от него его "фирменных" словечек – терминов, эпитетов, интонаций. Подсознательно вы начнете употреблять их в своей речи.
Или наполовину подсознательно. Представьте, что вы смотрите подряд все фильмы Шварценеггера. Вам смешон его австрийский акцент – и вы пародируете его: "I'll be backkk..."
Если делать это достаточно часто – можно даже не заметить, как это станет частью вас, вашего стиля речи. Вы хотели подражать – а это незаметно стало частью вашей речи.
То же самое и с игрой на гитаре. Например: я большой фэн Джеффа Бека. Я все время пытаюсь копировать все эти его странные звуки, пре-бэнды, работу с рычагом, щелчки и т.д. (хотя все это больше относится к фразировке, но тем не менее). Я пытаюсь скопировать эти звуки – и со временем понимаю, что ни стали неотделимой частью моей игры. То же самое со звучанием.
Как то раз мы провели эксперимент. Я не смотрю телевизор – у меня даже его нет, если я хочу посмотреть что-то - я иду в гости. Если я хочу посмотреть кино – я иду в кинотеатр или видеопрокат. Я читаю газеты в Интернете. Я фактически не слушаю радио – я слушаю только то, что хочу слушать, поставив CD, поэтому этот эксперимент было легко провести.
Я записал две пленки. 1-я была 120 минут, 2-я – 90. На первой был сборник баллад и медленных вещей Стива Вая на стороне А и баллады и медляки Сатриани на другой. На второй кассете я записал мои любимые гитарные баллады Бека, Морса, Тиммонса, Джонсона и т.д.
И в течении 3-х недель я не слушал ничего, кроме этих кассет. Ну, возможно я иногда мог послушать вещь, чтобы снять ее для урока или что-то вроде этого. Или услышать что-то в клубе, баре и.т.д. Но все остальное время я слушал эти кассеты как можно чаще. Не особо вслушиваясь в них, используя как фон. Я ел, читал, какал, писал и трахался под эти записи.
Я не играл под них – когда я упражнялся, я их выключал. И знаете что? Через три недели я пригласил троих друзей на джем (знаем мы эти джемы…прим. переводчика). И оказалось, что моя игра здорово изменилась. Прослушивание этих записей заставило меня использовать фразы этих гитаристов. У меня в мозгу засели фразы Сатриани, драйв Вая – и они стали частью моего сознания, так как были саундтреком трех недель моей жизни. Это был бессознательный процесс, (возможно вы читали про то, как Стиви включал на ночь вещи Запппы, что помогало ему их запомнить? Или как он спал под звук частотой 440 герц?) но процесс очевидный, он показал мне, что поиску своего звучания помогает длительное "фоновое" прослушивание чужих записей.
Заключение
Конечно, нельзя начать учиться играть завтра – и сразу сфокусироваться исключительно на звукоизвлечении, это дело времени. Когда гитара станет частью вас - только тогда вы сможете сфокусироваться на таких деталях, как фразировка и звучание. Сначала отработайте чистую механику – фразы, аккорды, мелодику, песни. Когда вы почувствуете себя комфортно в этом – добавляйте нюансы, и делайте их ВАШИМИ.
Думаю вы рады что я закончил. Если вы дочитали досюда – поздравляю!
Мне нелегко было писать эту статью – намного сложнее, чем, например, о пентатонике. Но я надеюсь, что вы осознали важность своего ЗВУКОИЗВЛЕЧЕНИЯ, ведь это ваше лицо, это то, что отличает вас от других гитаристов.
Даже если вы все еще хотите просто звучать как Ингви, Петруччи, Джимми или Джордж Линч – запомните, что круче всего, это когда вам говорят "Мужик, это звучит похоже на тебя. Точно, это же ты играешь!". Намного приятнее играть мелодию по-своему, причем, даже не задумываясь об этом, быть способным сыграть самую избитую песню так, чтобы она "задышала" и стала чем-то, что идет от вас, от вашего сердца.
На это уйдут годы, это потребует много усилий и внимания – но оно того стоит. Помните, что ваши кумиры – это не только их техника, фразы и песни – это еще и их уникальное звучание, то, что трогает вас при прослушивании их вещей, даже если вы этого не замечаете.
И еще…это статья не из тех, которые побуждают немедленно ее распечатать, схватить гитару и начать работать. Может это все вообще вам неинтересно. (Я вообще уверен что рейтинг этой статьи будет худшим в моей истории). Но, возможно, в следующий раз, когда вы будете упражняться или играть на сцене – вы немножко больше внимания обратите на свое звукоизвлечение и станете звучать немного более по-своему.
Помните об этом, будьте снисходительны ко мне за эту огромную кучу нотаций…просто мне показалось это важным…по крайнем мере не менее важным, чем знание грифа или умение рубить риффы. Не становитесь компьютером, играющим фразы без малейшей экспрессии. Используйте свои уши, помните, что вы личность и что вы играете на одном из наиболее экспрессивных инструментов в мире. Используйте его на полную. А это сложнее, чем добиться яркого звучания при игре на цимбалах.
"The Quest For Tone" by Eric Vandenberg
Источник: http://www.ibreathemusic.com/
Перевод: 6-String Samurai (http://letsrock.kiev.ua/)
Почему ты такой плохой гитарист?
20 концепций, которые вам необходимы...и пять вещей, про которые вам лучше забыть!
Если вы такой же идиот, как большинство играющих на гитаре, вы хотите стать лучшим гитаристом. Из моего собственного опыта, а так же из опыта обучения более 1000 учеников, я много чего узнал об этом предмете. Ученики часто спрашивают – почему они не находятся на том уровне, к которому стремятся, и что можно с этим поделать. В прошлом я также часто задавал себе эти же вопросы, и немало времени прошло до тех пор, когда я начал получать ответы. Как и вы, я прочитал кучу интервью с великими гитаристами и статей, ими написаных. Но, в основном, я тщетно искал решения проблемы изучения игры на гитаре или советы по повышению уровня игры. Не считая несколько исключений, этой проблеме уделялось очень мало времени и места. Часто все советы укладывались в одну формулу: Заниматься, заниматься и еще раз заниматься! Да, практика – это основная составляющая, но об остальном мы имеем только смутное представление. В своем долгом пути к высокому уровню игры и в попытках помочь своим ученикам достигнуть того же, я тщательно фиксировал, что работало, а что нет. Какие общепринятые правила были верны, а какие (в моем понимании) нет. Вот 20 концепций, которые дали наиболее яркие результаты тому, кто их использовал.
20 Концепций
1. Учитесь! Не важно, на каком уровне вы сейчас находитесь – вы можете и должны знать намного больше. Если в данный период времени вы занимаетесь с учителем или занимаетесь музыкой в училище или консерватории – вы на правильном пути. Если вы этого не делаете (или считаете, что ваш учитель не достаточно помогает вам в достижении вашей цели), я настоятельно рекомендую вам найти нового учителя. (Я даже написал про это статью под называнием «Выбор учителя»).
У меня даже нет слов, чтобы описать, насколько важно найти "того самого" учителя! Ваш учитель (или музыкальная программа) должны быть всегда целенаправленны. Если это не так – ищете другого учителя или школу. Вам не нужен учитель, который просто будет снабжать вас информацией или упражнениями - их вы можете найти и сами, вам нужен учитель, который:
* Знает, к чему вы стремитесь
* Старается помочь вам достичь своей цели
* Знает, как помочь вам достичь своей цели
2. Слушайте больше музыки. Ищите музыку того типа, который вам нравится. В мире есть куча музыки, которой вы не слышали, и я уверен, что среди нее вы найдете то, что вам действительно понравится и станет источником вашего вдохновения.
Если в вашем городе нет хороших радиостанций – поищите их в Интернете. Там вы можете найти то, что будет соответствовать вашим потребностям. Просматривайте музыкальные сайты, особенно, посвященные вашим любимым стилям.
3. Превратите ваши музыкальные разочарования в вашу мотивацию. Я написал целую статью об этом – "Музыкальные разочарования". Я не буду здесь повторяться, если вы ее не читали – прочитайте. Если читали – перечитайте еще раз.
4. Верьте в себя. Вы слышали этот совет сотни раз. Но, к сожалению, большинство людей все равно не могут поверить в себя. Я написал статью "Упорство", где об этом косвенно говориться – прочитайте ее.
5. Поймите, что стать хорошим гитаристом и стать хорошим музыкантом – это одно и то же. Когда вы развиваете свои музыкальные умения, старайтесь выходить за рамки игры на гитаре. Конечно, большую часть времени вы будете посвящать именно гитарному мастерству: технике, аккордам, гаммам, соло, но не пренебрегайте другими вещами, которые не являются специфично гитарными: тренировка слуха, композиция, импровизация, чтение нот, музыкальная теория и т.д.
6. Окружайте себя гитаристами, которые лучше вас или находятся на том же уровне. Когда вы начинали играть на гитаре, все вокруг играли лучше вас. Теперь вы выросли – их стало меньше. Чем выше ваш уровень – тем тяжелее найти гитаристов, которые выше вас. Но как бы хороши вы не были – всегда найдутся те, у кого вам есть чему поучиться. Ищите таких людей, знакомьтесь с ними, джемуйте с ними, обсуждайте с ним гитару и музыку. Будьте готовы не только брать, но и давать. Если у вас проблема с поиском гитаристов вокруг вас – ищите хороших басистов, пианистов, скрипачей, барабанщиков и т.д. От них вы тоже можете многому научиться.
7. Найдите то, что вдохновляет вас. Посещение концертов великих гитаристов или групп мотивирует меня больше заниматься. Прослушивание записей великих певцов заставляет меня больше вниманию уделять вибрато и фразировке. Прослушивание классических записей дает мне стимул изучать теорию музыкальной композиции. Просмотр "Звездных войн" или чтение "Властелина Колец" вдохновляло меня когда я был ребенком. Есть множество вещей, не связанных с музыкой, которые тоже могут служить источником вдохновения. Самым большим источником вдохновения для меня является мой жизненный опыт и мой внутренний мир. Желание выразить то, что внутри меня - это самая мощная сила, заставляющая меня совершенствоваться.
8. Определите свою цель. Какова ваша цель? Вы знаете, что это в точности? Если бы я стоял перед вами и задал этот вопрос – вы смогли бы дать мне четкий ответ и объяснение? Вы можете написать его на бумаге? Все это очень важно при постановке задач, планировании и отслеживании результатов.
Когда все, что мешает вашему прогрессу, начнет искать дорогу в ваш разум – вы сможете противопоставить этому четкую цель. Я видел, как лень, страх неудачи, неуверенность в себе, недостаток мотивации, временные трудности и другие негативные факторы останавливали в развитии людей с очень большим потенциалом. Знание вашей цели поможет вам побороть все эти негативные мысли.
9. Точно определите, почему эта цель существует в вашей голове. Я специально выделил эту концепцию отдельно от предыдущей, чтобы вы не потеряли это ПОЧЕМУ в процессе определения цели. Поверьте мне, это важно.
10. Выработайте стратегию! Вам нужна стратегия, которая четко показывает, как вы собираетесь достичь соей цели. Сказать себе то, что вы будете играть на гитаре каждый день, недостаточно. Для того чтобы стать хорошим гитаристом, требуется намного больше, чем просто играть на гитаре. Запишите ваши глобальные цели в виде связок промежуточных задач. Думайте о процессе достижения вашей цели как об эстафете, а не как о марафоне. Каждая небольшая цель является концом одного сегмента вашего плана и началом следующего. Этот метод намного удобнее, вы сможете сами это увидеть в процессе.
Если вы четко знаете свою цель – вы можете все это сделать сами. Но если вам нужна помощь в создании плана и определении промежуточных целей – проконсультируйтесь со своим учителем. Если у вас нет учителя, которому вы можете это доверить – найдите человека, который может это сделать, и заплатите ему (да, я сказал именно ЗАПЛАТИТЕ) за помощь в разработке плана. Лучший кандидат для этого – человек, который уже достиг того, чего хотите достичь вы.
Помните, что нет ничего плохого в том, чтобы мечтать и фантазировать о том, чего вы хотите добиться, но этого мало. Нельзя желать, не планируя. Нельзя мечтать, не делая. И всегда, всегда имейте стратегию. Со временем, вам возможно придется ее пересмотреть – это нормально – но не пытайтесь идти вперед без нее, если вы хотите достичь максимальных результатов за минимальный отрезок времени. Когда я начинал учиться играть, я тратил много времени на бесцельные желания играть лучше, не имея малейшего понятия, как этого достичь. Да, я много занимался, но не видя цели и направления. Реальный прогресс начался только после разработки стратегии и следования ей.
Наверное, вы удивляетесь, почему я не описываю детально стратегии, которые я использовал в прошлом, но это бесполезно, так как моя стратегия четко отвечала моей цели. А ваша цель, скорее всего, совсем иная. Поэтому вы сами должны выработать свою стратегию для достижения своих целей. И еще раз – записывайте все на бумаге и перечитывайте постоянно. Это поможет вам сфокусироваться на цели.
11. Представьте, что вы уже обладаете умениями, которые желаете приобрести. Сфокусируйтесь на этом и сконцентрируйтесь. Убедите себя в этом. Убедите себя, что вы уже близки к цели, так как это правда. Достичь желаемого легче, если вы можете представить, что вы уже там. Думайте позитивно.
12. Определитесь, что вы будете делать с вашими музыкальными умениями. Если вы хотите записать диск и зарабатывать музыкой – изучайте музыкальный бизнес прямой сейчас! Изучайте музыкальный бизнес в институте или берите частные уроки у профессионального (или, по крайней мере, полупрофессионального) гитариста. Не ждите того момента, когда вы станете хорошим гитаристом, чтобы начать делать это!!!! Я знаю кучу гитаристов, которые совершили эту ошибку (я сам совершил ее, после чего усиленно изучал музыкальный бизнес в течение последних нескольких лет, для того чтобы моя карьера дошла туда, где она сейчас).
13. Узнайте, как ваши любимые гитаристы достигли своей цели. Это непросто, так как в большинстве случаев вы не имеете возможности просто спросить их об этом. Но есть интервью, есть биографии некоторых музыкантов (в основном правда мертвых). Не смотря на то, что большинство успешных людей не особенно распространяются о том, как они этого добились, вы кое-что сможете найти. Поверьте мне, успех – это не только упорство и удача. И помните, что их стратегии не обязательно годятся для вас, но вы все равно можете много из них узнать.
14. Не сравнивайте себя с другими. В этом нет нужды. Музыка – это не соревнование между людьми, это соревнование только вас с самим собой. Сравнивайте только себя "сейчас" и "тогда". Далеко ли вы прошли по вашему плану? Идете ли по графику? Нужно ли пересмотреть стратегию?
15. Убедитесь, что ваша система занятий эффективна. Вы действительно знаете, как практиковаться в игре на гитаре? Вы ставите себе ежедневные и еженедельные цели? Вы должны ответить на эти вопросы. Две самые большие ошибки, которые делали мои ученики (не считая недостаточной практики), это:
* Занятия не были направлены на достижение цели
* Они не понимали разницу между игрой на гитаре и занятиями на гитаре
16. Играйте в группе или в любом коллективе. Очень важно иметь опыт совместной игры. Это может быть группа, или что угодно. Формальное или неформально сборище. Главное, чтобы это было, по крайней мере, раз в месяц. Есть вещи, которые вы не сможете отработать в одиночку. К тому же это просто весело и может помочь вам преодолеть боязнь сцены.
17. Измеряйте свой прогресс. Фиксируйте, сколько времени вы тратите на занятия каждый день. Используйте метроном для измерения скорости при "чистой" игре технических упражнений – гамм, арпеджио, и т.д. Записывайте все результаты, и сравнивайте их с прошлой неделей. Вы ясно сможете увидеть, прогрессируете ли вы и какими темпами. Для остальных вещей, которые нельзя зафиксировать при помощи метронома и бумаги, записывайте себя на пленку или компьютер. Храните все ваши записи. Слушайте их через месяц, полгода, год, три года и т.д. Оценивайте, насколько вы выросли
18. Не делайте упор на свои сильные стороны, игнорируя слабые. Вам не обязательно уметь играть в любом стиле и знать все техники игры, но некоторые вещи универсальны: базовая техника, игра на слух, знание теории, творчество, импровизация. Некоторые стили требуют акцента на одних вещах, а некоторые на других, но, тем не менее, все должно быть сбалансированным. Если вы играете в стиле "хэви метал", вам, возможно, не понадобиться умение читать ноты, а если вы играете классику, вам возможно не нужно будет делать упор на импровизации (к сожалению). Но старайтесь не оставлять в своей игре слабых мест – рано или поздно вы об этом можете пожалеть.
19. Дисциплинируйте себя. Музыка – это не спорт, и рядом с вами постоянно не находится тренер. Никто не будет постоянно следить над тем, делаете ли вы то, что вам необходимо, когда необходимо и как необходимо. Вы должны в основном полагаться на себя. Если дисциплина не самая ваша сильная сторона – только вы можете это изменить. Не поддавайтесь лени. Идите вперед.
20. НИКОГДА НЕ СДАВАЙТЕСЬ! Никогда не говорите "не могу"! Никогда не говорите "когда-нибудь". Никогда не говорите "если". Если ваш IQ выше, чем температура окружающей среды, у вас есть все пальцы на руках, и вы действительно хотите стать преуспеть – вы сможете.
Пять вещей, которые вы должны забыть
Меня постоянно удивляет, сколько ложных убеждений распространено среди гитаристов. Вот несколько вещей, которые в большинстве случаев не верны.
1. Вы должны быть разносторонним гитаристом и уметь играть в разных стилях, для того чтобы быть хорошим гитаристом. Это меня всегда смешило особенно сильно. Сеговия (мастер классической гитары) не упражнялся в игре джаза или стиля bluegrass. Ингви Мальмстин не брал усиленные курсы джаза. Многие джазовые гитаристы не изучали классической гитары или гитары в стиле "хэви метал". SRV никогда не учился играть фьюжн или хэви метал. Великие мастера кантри-гитары обычно не изучают стиль Progressive Rock. Конечно, есть примеры гитаристов, которые одинаково хороши в двух и более стилях, но большинство хороших гитаристов известны только в одном стиле.
Они мастера своего дела, специалисты, а не мастера не все руки. Не слушайте тех, кто говорит: "Вы должны научиться играть блюз, перед тем как изучать хэви метал или классическую гитару". Вам не нужно уметь играть всё.
Единственный случай, когда вам необходимо изучать разные стили игры – это когда ваша цель этого требует. Если вы любите много стилей и хотите играть их все – вперед! Если вы хотите стать студийным или сессионным гитаристом, вам это понадобится. Но стать одинаково крутым во многих стилях очень тяжело.
2. Вы должны знать все аспекты гитарной техники. Van Halen играет тэппингом, но не всеми пальцами, как большинство, тем не менее мы считаем его очень значительным гитаристом. Он также редко использует игру пальцами. Подобное можно сказать и про Вая, и про множество других. Мастер классической гитары John William вряд ли хорошо играет с медиатором (хотя точно мы этого не знаем), но он считается одним из наиболее значительных классических гитаристов нашего времени.
Каждый великий гитарист хорош именно в своей технике и потратил многие годы на ее усовершенствование. Изучение всего подряд заберет время, которые необходимо вам для работы над достижением вашей цели.
3. Самообразование – лучший путь к оригинальности. Это очевидная ерунда. Самостоятельная работа не дает вам нужного эффекта, или же забирает в 10 раз больше времени для достижения цели. Тем более, как вы можете знать, что вы оригинальны, если вы ничего не знаете о том, что делали остальные?
4. Быть ВЕЛИКИМ не значит быть ЛУЧШЕ ВСЕХ. Я уже упоминал об этом, но, тем не менее. Вы идете к СВОЕЙ цели, а не к чьей-то другой. Какая кому разница лучше вы того гитариста или нет? Это же не Олимпийские игры. Музыка – это акт самовыражения (или для некоторых индустрия развлечений).
5. Вам нужен врожденный талант, чтобы стать великим (или хорошим) гитаристом. Не верьте этому. Да, некоторые люди обладают большими способностями к чему-либо. Например, многие спортсмены обладают врожденными способностями к спринту, бегу на длинные дистанции, плаванью, прыжкам, подъему тяжестей. Кто-то умнее, у кого-то быстрее рефлексы. Но дело в том, что великие спортсмены обычно хороши только в одной сфере. Они просто развили свои врожденные способности до максимума – но только в чем-то одном.
Музыка здорово отличается от спорта. Нет такой вещи, как "музыкальное умение" - есть целый комплекс умений. Подумайте о составляющих этого умения: хороший слух, физическая техника, креативность, способность к импровизациям, композиторство, умение "попадать", умение играть в команде, знание музыкальной теории, хорошая память, умение читать музыку и т.д. – этот список почти бесконечен. У кого-то больше способностей к скоростной игре, у кого-то хороший голос, кто-то лучше пишет песни, кто-то лучше импровизирует, но НИКТО не обладает всеми этими талантами.
Давайте вспомним мастеров музыки. Моцарт обладал великолепной техникой, абсолютным слухом и памятью – но в других областях ему приходилось тяжело работать. Шопен был великим импровизатором – но много работал над техникой, чтобы стать великим пианистом. Бетховен не писал музыку до 30-ти лет, он не был "чудо-ребенком" как Моцарт или Шопен и не обладал врожденным талантом, ему приходилось много работать над собой. Каждое произведение он переписывал снова и снова.
У каждого из нас есть свой талант. Возможно, вы его уже знаете – возможно, нет. Если вам не легко дается прогресс в качестве музыканта, возможно, вы просто не такой как все.
Когда вы идете к своей цели, есть только два соперника: Вы и Время.
Tom Hess - виртуоз гитары, чей дебютный диск "Hess Opus 1" получил великолепные отзывы и разошелся большими тиражами в 25 странах мира. Том преподает гитару с 1991 года. В настоящее время он обучает 55-65 частных студентов в неделю, ведет курс по импровизации и преподает по почте в США и за границей. Его официальный сайт: http://hess.4t.com/
"Why Aren't You a Better Guitarist?" by Tom Hess
Источник: http://www.ibreathemusic.com/
Перевод: 6-String Samurai (http://letsrock.kiev.ua/)
Вообще, кому, черт возьми, нужны гаммы, зачем и для чего?!
В процессе своего развития в качестве гитариста, мы рано или поздно начинаем ощущать, что было бы в общем неплохо узнать хоть что-то об этих штуках, которые называют гаммами. Если мы только в начале пути, мы можем вообще не иметь малейшего понятия о том, что такое гамма, и это создает некую мистическую ауру вокруг этого предмета.
Следующее, что обычно происходит, у нас появляется неясное впечатление того, что этих гамм, оказывается, до черта. Вам начинает казаться, что их сотни. А есть даже энциклопедии гамм, где могут быть тысячи этих маленьких гадов! И сама перспектива изучения всей этой ерунды заставляет нас слабеть в коленках. И именно на этом этапе у нас появляются некоторые подозрения, сдобренные толикой любопытства: какое дело всем этим гаммам до нас и до наших интимных отношений с гитарой? Мы спрашиваем: "А сколько их мне надо знать вообще? И чего мне с ними потом делать?"
И вот мы ищем ответы на эти вопросы. Мы читаем журналы и находим там море крутых профессиональных гитаристов, рассуждающих о предмете – и это еще больше нас запутывает. Один говорит, что нужно знать сотню способов сыграть мажорную гамму и еще сотню способов сыграть минорную гамму, а потом переходит к более экзотическим ладам. А другой парень, не менее крутой и известный, утверждает, что использует всего пару гамм, и то по пьяни. После этого нас начинаются конвульсии.
Я попытаюсь немного прояснить этот вопрос. Я, в общем, обрисую суть предмета и постараюсь дать вам понимание того, что такое гаммы, для чего они используется и как они используется разными гитаристами. Когда вы усвоите эти вещи, вам будет легче решить надо вам оно или нет.
Гаммы в музыкальном аспекте или Зачем мы их изучаем
В музыкальном аспекте гамма, это серия нот, следующих одна за другой. Самое важное в гамме – это расстояние между нотами, и здесь под "расстоянием" мы имеем в виду музыкальную высоту ноты. Именно это расстояние определяет эмоциональное содержание музыки. Это одна из важнейших концепций, которые должен усвоить каждый музыкант, и большинство это знают, но на интуитивном уровне. Для тех, кто хочет глубже понять теорию музыки, эта концепция должна быть полностью осмысленна. Я не буду слишком в нее углубляться в этой статье (хотя она того заслуживает), но постараюсь передать суть концепции, изучение которой вы сможете продолжить с учителем или при помощи книг.
Если я беру ноту на гитаре и, затем, играю ее еще раз, разницы в высоте не будет. Если я играю ноту, а затем беру ноту на соседнем ладу, расстояние составит половину тона. Если я сыграю ноту, а затем возьму ноту через лад – расстояние между ними составит один тон. Если я возьму ноту на третьем ладу – это будет минорная терция. Все эти расстояния называются интервалами. Взяв минорную терции, которую я упомянул выше, вы услышите некое "эмоциональное содержание". Минорная терция присутствует в минорном аккорде и имена она придает минорным аккордам некий темный, печальный призвук. Когда вы играете блюзовую гамму – это первые две ноты, и именно они придают блюзу тот самый "блюзовый" оттенок (или является частью его).
Пока это достаточно информации об интервалах. Я просто хочу, чтобы вы знали об их существовании и что они несут эмоциональную нагрузку музыки. Запомните, что гамма состоит не столько из нот, сколько из расстояния между ними. Есть разные типы гамм, минорные, мажорные, уменьшенные и т.д. Каждая гамма характеризуется особенным рисунком расстояний между нотами, и именно он придает каждой гамме свою уникальную звуковую окраску. В дальнейшем вы увидите, что гитаристы, играющие в разных стилях, используют разные типы гамм. Гитаристу, играющему рок/блюз, возможно, никогда не придется использовать мажорную гамму.
Так как каждый тип гаммы использует свои интервалы между нотами, гамма будет восприниматься на слух одинаково, даже если в ее название стоит другая буква. Например, если вы играете гамму До-мажор, или Ре-мажор, или Соль-мажор, все они будут иметь одинаковый рисунок интервалов и одинаковое количество нот, они будут звучать одинаково в смысле "эмоциональной окраски". У минорных гамм другая схема интервалов, поэтому они их звучание окрашено по-другому. Используя эту аналогию, мы можем сравнить гамму с цветовой палитрой.
Гаммы в техническом аспекте или Зачем мы их играем
Итак мы определились, что гаммы, это то, из чего строится музыка. В самых разных стилях музыки мы можем вдруг осознать, что просто играем какую либо гамму туда-сюда а потом опять обратно. Поэтому было бы неплохо узнать, как их играть и зачем. Если думать о гаммах в аспекте гитарной техники, мы поймем, что гамма – это цепочка нот, чем быстрее мы ее играем – тем круче. Но дело в том, что для гитариста гаммы представляют намного более сложную штуку, чем для других музыкантов. Пианисту нужен только один палец для того чтобы взять ноту, а гитаристу нужно координированное действие сразу двух (или пальца и медиатора) – и это все осложняет. Как гитаристу, вам этот факт будет немаловажен.
Почти все гитаристы-студенты оказываются неготовыми к эффективному изучению гамм, когда до этого доходит дело. Синхронизация рук должна стать физической привычкой для того, чтобы игра гамм была полезна, а не вредна. В своей знаменитой коллекции гамм для классического гитариста Сеговия писал: "изучение гамм решит множество технических проблем в более короткий отрезок времени, чем любое другое техническое упражнение". Другими словами, если вы хорошо играете гаммы, и можете заставить свои пальцы передвигаться в нужном направлении, вы также можете делать многое другое. Получается, что изучение гамм, это одна из лучших вещей для ваших практических занятий и улучшения вашей техники.
И вот мы пришли к одному из основных пунктов этой статьи: гаммы, даже при их минимальном использовании, являются основным техническим упражнением для любого гитариста. Для неимпровизирующих гитаристов (например классических), это их основная функция, им не нужно знать миллион гамм. Для технических упражнений мы просто выбираем те, которые нам больше всего для этого подходят. В коллекции Сеговии большая часть гамм – это одни и те же гаммы, просто передвигаемые по грифу.
Конечно, есть очень много вещей, которые нужно знать для того, чтобы правильно использовать гаммы для развития техники. Многих студентов неправильная практика приводит в никуда. Но это совсем другой аспект, который я не буду здесь затрагивать. Но, в любом случае, вы должны понимать, что игра гамм является достаточно сложным предметом и нельзя недооценивать вопрос КАК их правильно играть.
И еще, интерпретируя слова Сеговии, мы можем сказать: "если вы имеете представление о том, как правильно играть гаммы, вы имеете представление и о многих других технических аспектах игры на гитаре".
Какие гаммы вам надо знать и Как использовать гаммы гитаристу в музыкальном аспекте?
Как вы, наверное, уже поняли, количество и состав гамм, которые нужно знать гитаристу, зависит от стиля, в котором он играет. Вот базовые рекомендации для того, чтобы вы могли определиться, как ввести гаммы в вашу игру.
* Всем гитаристам необходимо знать мажорные гаммы в первой позиции в тональностях До, Соль, Ре, Ля, Ми, а также, для понтов, параллельные минорные гаммы к ним.
* Все гитаристы должны знать сдвигаемые рисунки гамм. Мажорные гаммы, которые играются от второго пальца на шестой струне – и от второго пальца на пятой. После этого, мажорные позиции от четвертого пальца на шестой и пятой струне.
* Более амбициозные гитаристы должны знать мажорную гамму от первого пальца на шестой и пятой струне. Если вы знаете эти позиции (шесть мажорных гамм), вы также знаете все арпеджио и эти гаммы во всех тональностях.
* Тем, кто играет блюз и рок необходимо знать пентатонику во всех позициях (их всего пять). И, естественно вам, понадобится знание стандартных ходов для использования их в импровизации в разных тональностях (в первую очередь Ля и Ми).
* Для тех, кто хочет импровизировать в таких стилях, как джаз или фьюжн, после изучения вышеупомянутых гамм придется перейти к тем самым гигантским каталогам гамм, о которых я упоминал.
Естественно, этим предмет не исчерпывается, но, надеюсь, я дал вам его базисное понимание. Удачи в поисках ваших гамм!
"Scales, who needs them? Why and What For, Anyway?!" by Jamey Andreas
Перевод: 6-String Samurai (http://letsrock.kiev.ua/)
Наиболее важная способность, отсутствующая у большинства гитаристов
Итак, что же является наиболее важным навыком, отсутствующим у большинства гитаристов? Кто-то скажет, что это знание музыкальной теории. Другие скажут, что это креативность. Целые легионы гитаристов станут утверждать, что это безупречная техника. Может, вы согласитесь с чем-то из вышеупомянутого, а может, вы думаете, что это что-то другое, например написание песен, игра в коллективе или упорство.
Все эти вещи крайне важны для любого гитариста, который стремится стать хорошим гитаристом и музыкантом. Но самая важная способность, то, что большинство гитаристов не имеют и не знают, как развивать – это СЛУХ. Мы ведь говорим о музыке, не так ли? Как мы получаем от нее удовольствие? Мы ее СЛУШАЕМ! Тогда почему у большинства гитаристов с этим так плохо? Не-классические гитаристы обычно играют на слух, но как ни странно у большинства из них слух не настолько хорош, как может и должен быть.
Я использую себя в качестве примера гитариста, которому когда-то очень недоставало хорошо развитого слуха. До того, как поступить в музыкальный колледж, я считал, что со слухом у меня все в порядке. Я мог быстро запоминать песни на слух и, как мне казалось, мог неплохо импровизировать. Но, когда мне хотелось сочинить гитарное соло для песни, или написать свою песню – у меня возникали проблемы. Я все время чувствовал, что я не могу перенести то, что у меня в голове, в музыку, которую я играю. У меня была очень хорошая техника и неплохая техническая подготовка, но мое творчество было никаким. Все, что я импровизировал или сочинял шло из моих рук и из знания аккордов, гамм, и т.д. Но я хотел большего. Я хотел быть оригинальным, креативным, и, что самое важное – более самовыразительным. Я знал, что проблема существует, но не знал, в чем именно она состоит. Я считал, что я не очень творческий человек и что недостаток (воображаемый) креативности был встроен в меня по дефолту и находился вне моего контроля. Я свято верил в то, что я просто не одарен от природы.
Осенью 1994-го я поступил в Harper college. В нем студенты должны пройти 2-х годичный курс развития слуха вместе с другими дисциплинами. И вскоре после того, как я начал их посещать, я ощутил, насколько мне не хватало развитого слуха. К счастью мне повезло с учителем, который прекрасно знал, что многие гитаристы имеют эту проблему. После первого семестра (через полгода), я увидел, что моя проблема с творчеством (сочинительство, импровизация т.д.) начинает отступать, и что самое важное, я понял, что проблема была не в том, что у меня нет способностей к творчеству. Проблема была в том, что мой слух был недостаточно развит для того, чтобы раскрыть мой творческий потенциал. Это открытие было, наверное, одним из самых вдохновляющих моментов в моей музыкальной жизни. Осознав, что у меня есть творческий талант, я чувствовал себя будто вышедшим на свободу. Теперь все что мне было нужно – это дальше тренировать свой слух, для того, чтобы мои идеи смогли найти путь в мою музыку.
Способы улучшения слуха
1. Транскрипция песен, аккордов, мелодий, соло на слух, используя гитару.
2. Транскрипция без использования вашего инструмента. Записывайте музыку на бумаге, и, когда вы решите, что она максимально близка к оригиналу, проверьте это при помощи гитары. Отмечайте, где вы ошиблись и ищите закономерности в ваших ошибках. Например, если вы путаете минорные и мажорные аккорды – уделите этому дополнительное время в вашем обучении.
3. Пропевайте (да, громко пропевайте) гаммы. Начните с мажорных гамм, потом перейдите в натуральный минор, гармонический минор, пентатонику, блюзовую гамму и т.д.
4. Пропевайте интервалы (две ноты с варьирующимся расстоянием между ними)
5. Пропевайте арпеджио (аккорды – по одной ноте), начните с мажорных трезвучий и идите к минорным.
6. Пойте по нотам (для этого вам понадобится базовое знание нотной грамоты). Можете использовать любые ноты. Есть даже специальные сборники для этого.
7. Транскрибируйте ритм-партии. Это то же самое, что делать транскрипции мелодий, только сфокусируйтесь именно на ритме.
8. Импровизируйте сверху аккордовой прогрессии. Ну, это в любом случае полезно.
9. Представьте в уме 3-х или 4-х нотную мелодию, а затем попытайтесь сыграть ее на гитаре.
10. Запишите, как вы играет на гитаре различные аккорды (например, только мажорные или минорные трезвучия). Старайтесь не особенно часто повторять аккорды. Прослушайте эту запись, стараясь определить аккорд на слух.
11. В любом музыкальном учреждении среди прочих дисциплин преподается и эта.
12. Существуют специальные компьютерные программы для тренировки слуха. В колледже я использовал программу Practica Musica by Ars Nova. (Замечание: Это не рекламы этой программы, я просто хочу сказать, что такие программы существуют и что они могут быть вам полезны).
13. Для тех, кто не имеет возможность посещать музыкальные учреждения, я бы рекомендовал найти частного преподавателя. В данном случае это может быть даже не гитарный учитель, а любой достаточно компетентный учитель музыки.
Тренировка слуха крайне важна для вашего развития как музыканта. Будьте упорны и терпеливы. Как и в других гитарных умениях, будьте готовы к тому, что прогресс будет медленным, но постоянным. Вашим ушам нужна постоянная практика, как и вашим рукам, поэтому не пренебрегайте таким важным инструментом, как ваши уши!
Tom Hess - виртуоз гитары, чей дебютный диск "Hess Opus 1" получил великолепные отзывы и разошелся большими тиражами в 25 странах мира. Том преподает гитару с 1991 года. В настоящее время он обучает 55-65 частных студентов в неделю, ведет курс по импровизации и преподает по почте в США и за границей. Его официальный сайт: http://hess.4t.com/
"The Most Important Skill That Most Players Don`t Have" by Tom Hess
Источник: http://www.guitar9.com/
Перевод: 6-String Samurai (http://letsrock.kiev.ua/)
Правильный звук педалей перегруза
"Очень часто в списке оборудования того или иного известного гитариста можно увидеть на первый взгляд абсурдную вещь. Среди дорогих, а часто и переделанных на заказ ламповых усилителей, предусилителей, среди всех этих бесконечных реков самых лучших эффектов можно увидеть те самые гитарные «примочки» – педали Distortion и Overdrive. Казалось бы, зачем это нужно – ведь эти педали выдают вместо звука один сплошной «песок», грязь, да и вовсе не звучат. Вопреки этому расхожему среди начинающих музыкантов мнению, гитарные педали могут сильно изменить Ваш звук, причем в лучшую сторону. Попробуем разобраться.
Сами по себе педали перегруза, как правило, не представляют собой ничего сложного. Простенькая схема, заключенная в маленькую коробочку, несколько ручек регулировок, вход и выход на «джеках» (иногда бывает еще вход для управляющей педали), кнопка включения и выключения эффекта, отделение для батарейки и гнездо для подключения блока питания. Многие радиолюбители, при наличии нужных деталей, вполне в состоянии спаять такую «примочку» сами, что довольно распространено. Но проблемы начинаются тогда, когда речь заходит о включении педали. Очень часто я слышу от начинающих гитаристов возгласы о том, что звук этих педалей очень зернистый, разрозненный, просто убогий. На вопрос о том, куда же эти педали включаются, как правило следует ответ: «Да так, маленький 15-ваттный транзисторный комбик…», или совсем гениально: «В линию».
Обратите внимание на оборудование «фирмачей», у которых можно заметить под ногами эти педали. Посмотрите, куда идет звук. Конечной инстанцией почти всегда будет являться дорогой, часто раритетный гитарный усилитель, на вход которого и идет сигнал с «примочки» (возможно, с какими-либо дополнительными изменениями). Педали перегруза предназначены именно для такого использования, фактически, для «разогрева» усилителя. Будучи же «выдранными» из контекста, они выдают невнятное жужжание. Эти педали не могут рассматриваться как самостоятельный и автономный звуковой блок, в чем часто и убеждаются на собственном опыте гитаристы, пожелавшие улучшить звук дешевого гитарного комбо. Не следует ожидать чуда от коробочки ценой до 100$, ведь в конечном итоге звучать Ваше оборудование будет на те деньги, которые Вы за него заплатили. Разумеется, нельзя забывать также и о том, что в основном профессиональные гитаристы используют либо модифицированные педали, либо их старые экземпляры. Вся соль заключается в других элементах, из которых состоит схема, а также изменения в самой схеме примочки, что дает более качественный звук. Но тем не менее даже с обыкновенной педалью можно получить правильный звук. Чего уж говорить о модифицированных педалях (Robert Keeleey, Analogman и т.п.), которые и находят применение в арсеналах именитых гитаристов.
Теперь непосредственно о «правильном» использовании таких педалей. Очень часто встроенного перегруза гитарного усилителя не хватает для получения нужного количества гейна. Типичный пример – Yngwie Malmsteen, использующий раритетные модели «голов» Marshall. Во времена, когда эти усилители производились, такого понятия, как HiGain, не существовало, поэтому максимум перегрузки, которую способен выдать такой аппаат – звук наподобие Angus Young из AC/DC. Такой звук получается на больших значениях громкости, когда лампы выходного каскада начинают подгружать и компрессировать звук. Тогда музыканты для получения нового звука на старых аппаратах и стали использовать внешние приборы для подгруза своих усилителей. Тот же самый Malmsteen, например, использует специально сконструированную для него педаль Dod. Также популярными среди музыкантов стали педали фирм Boss и MXR. Таким образом, первое, для чего используются внешние эффекты перегрузки – «разогрев» лампового (это важно!) усилителя и получение нужного уровня гейна. Недаром часто педаль, стоящую в цепи перед ламповым усилителем называют «грелкой».
Часто бывает и так, что эти педали ставят перед современным усилителем, в котором гейна просто навалом. И в этом случае применение «примочки» оправданно. Каждый усилитель имеет свой собственный характер и уникальную архитектуру звука. С помощью внешнего же догруза можно изменить этот характер по своему усмотрению. То есть музыкант получает больший спектр звучания своего аппарата и может разнообразить его.
Иногда бывает и так, что запись гитары ведется с нескольких усилителей одновременно. В этом случае, помимо объединения усилителей посредством Slave-коммутации, можно применить также сплиттер, поставив перед ним все ту же «примочку». Тогда на сплиттер пойдет уже усиленный сигнал и в результате его разделения потерь будет меньше.
Итак, с предназначением педалей, думаю, мы разобрались. Теперь рассмотрим подробнее, как именно использовать сочетание «педаль + ламповый усилитель». Для простоты рассмотрим именно такую схему включения, без дополнительных обработок и эффектов. В этом случае наша система будет представлять собой как бы два блока, ответственных за звук. Попробуйте установить входную чувствительность (она же Gain) усилителя на минимум, чтобы при выключенной педали гитара звучала без перегруза. Подберите нужную громкость на педали – в идеале она должна быть равна громкости гитары без примочки. Если выходной уровень «примочки» слишком завален, то просто будет меньше гейна, так как сигнал в секции преампа усилителя окажется слабее. Если же на вход усилителя подать слишком сильный сигнал, то он может перегрузить вход усилителя. Это может быть чревато, например, тем, что если на входе усилителя стоит транзистор (как, например, на преампе Marshall JMP-1), то Вы получите перегрузку транзистора и звук будет просто испорчен.
После включения «примочки» Вы услышите ее звук, «приправленный» звуком усилителя в минимальной степени, то есть можно сказать, что это звук самой педали. Часто этот звук не оправдывает ожиданий владельца эффекта, но делать выводы еще рано. Теперь необходимо выставить нужное количество гейна на усилителе. Вообще, можно представить, что ручки гейна на педали и усилителе являются своего рода микшерами сигналов и соотношение значений перегрузки в той или иной степени будет определять соотношение «количества» звука, взятого от примочки и усилителя. То есть при минимуме гейна на усилителе Вы получаете звук «примочки», при минимуме гейна на примочке – звук своего усилителя (разумеется, все это в приближении).
Дальшейшие настройки – уже дело вкуса. Выставьте значения гейна, а также настройки тембра, на педали и усилителе - здесь Вам предоставлена неограниченная свобода для экспериментов.
Перейдем к практической части. В моем распоряжении оказалось четыре довольно популярные педали перегруза фирмы Boss. Это классика Super OverDrive SD-1, легендарная Distortion DS-1, а также более новые разработки – Turbo Distortion DS-2 и Metal Zone MT-2. При тестировании использовалась гитара Ibanez S2020 (красное дерево / клен / палисандр), усилитель Crate VintageClub 6210 (полностью ламповый двухканальный комбо с двумя динамиками 10”) на первом канале, который обычно используется для чистого звука и очень легкого подгруза. Драйв на этом канале немного хрустящий, с хрипотцой, хорошо читаемый, с немного заваленными нижними частотами. Звук с усилителя снимался микрофоном Shure 565SD (вокальный, по звуку ближе всего SM58). С микрофона звук поступал на преамп dbx 286A без обработки, откуда – на вход звуковой платы M-Audio Audiophile 24/96. Запись велась в программе Cubase. Ритмические партии записаны по два раза для каждого примера для получения стереозвука, сольные партии записаны по три раза (на два канала, разведенных по панораме и один канал по центру). Обработки сигнала не использовались (кроме небольшой реверберации на соло), то есть на дорожках звучит собственно то, что и пришло на звуковую плату............." (http://zaburuev.ru)
- Опис
- Выкладываем интересные материалы
